Du 6 juin au 13 septembre 2026
Vernissage : Samedi le 6 juin 2026 de 15h à 17h
Iaohontso’ktá:tie / Traverser le territoire
Le marché comme archive : économie, savoir des femmes et survie
Commissaires : Armando Perla & Michael Patten
La Biennale d’art contemporain autochtone (BACA), 8e édition
EXPRESSION, Centre d’exposition de Saint-Hyacinthe
495, av. Saint-Simon, Saint-Hyacinthe (QC) J2S 5C3
Tessa Alexander, Arawhetū Berdinner, Jacqueline Bishop, Josue Castro, Silvia Caxi, Filiberto Chali, Venuca Evanan, Carlos Lara, Luisfer Morales, Ehikoo Odeh, Jakob Olive, Paula Rivera, TRAMA Textiles, Matt Tini, ARIA XYX.
Marchés de la mémoire : les archives de l’échange
Située au-dessus d’un marché public en activité, cette exposition aborde le marché comme une archive autochtone vivante, façonnée par le commerce, les déplacements et les systèmes de savoir des femmes. À travers la Mésoamérique et au-delà, les marchés ont longtemps servi d’espaces où les femmes autochtones soutenaient l’économie, préservaient les matériaux cérémoniels, transmettaient les savoirs artistiques et médicinaux, et assuraient la continuité culturelle malgré les bouleversements coloniaux.
Plutôt que de considérer l’échange comme distinct de la culture, les œuvres présentées ici appréhendent la circulation elle-même comme une forme de mémoire. Les textiles, les pratiques alimentaires, les fibres, les parures, les plantes et les objets artisanaux circulent à travers des relations de troc, de soin et de réciprocité qui continuent de structurer la vie autochtone à travers les territoires. Tout au long de l’exposition, les parures apparaissent comme une pratique marchande vivante, circulant à travers les pow-wow, les réseaux commerciaux autochtones, les marchés de rue et les systèmes de fabrication intergénérationnels qui relient l’esthétique, la cérémonie et l’échange. Dans ce contexte, le marché fonctionne à la fois comme une école, une infrastructure sociale, un site cérémoniel et un espace public de présence autochtone.
L’exposition remet également en question les modèles muséaux fondés sur l’accumulation et la permanence. La valeur se révèle à travers le mouvement, la réutilisation, la rencontre et la redistribution. À travers la sculpture, le textile, l’installation, l’ornement et la performance, les artistes mettent en avant des économies fondées sur la relationnalité et la survie, où les objets restent vivants grâce à l’échange et où le travail des femmes continue de perpétuer la mémoire collective à travers les générations.
La femme du marché
Articulée autour du service à thé Fauna (2024) de l’artiste et chercheuse Jacqueline Bishop, ainsi que des œuvres textiles, picturales et poétiques qui s’y rapportent, cette installation explore la figure de la femme du marché en tant que gardienne du savoir botanique, de l’autonomie reproductive et de la continuité culturelle au sein des économies violentes de la colonisation, de la traite transatlantique des esclaves et des économies de plantation. Des œuvres telles que The Keeper of All the Secrets (2023), imprimée sur du coton Sea Island, mettent en avant les échanges de connaissances botaniques entre les femmes autochtones d’Abya Yala et les femmes africaines déplacées de force, retraçant comment ces formes de savoir sont devenues cruciales pour la survie, la guérison et les soins reproductifs dans les Caraïbes. Bishop retrace comment ces systèmes de pratiques médicinales et de soutien communautaire se sont propagés à travers les marchés, façonnant le monde des femmes caribéennes à travers les générations. Au sein de ces histoires, les femmes noires ont utilisé les plantes, les herbes et les réseaux d’échange des marchés pour réguler leur fertilité, interrompre les grossesses résultant de violences sexuelles et maintenir des formes de soins exclues des archives coloniales.
Réalisé sur un tissu de Trama Textiles, une coopérative de tisserandes mayas fondée pendant le génocide guatémaltèque, ce service à thé inscrit le savoir des femmes dans des systèmes de survie autochtones et diasporiques plus larges, véhiculés par les marchés, les tissus, les traditions alimentaires et la transmission orale. Les peintures, les vêtements et le poème Island Women de Bishop prolongent cette réflexion, mettant en avant des femmes dont le savoir s’est transmis par le geste, la mémoire et le commerce malgré les déplacements et les ruptures.
Autour de l’installation, des œuvres d’artistes noires, dont Ehiko Odeh et Tessa Alexander, explorent davantage les connaissances botaniques, les économies de marché et les relations complexes entre la négritude et l’indigénéité à travers les Caraïbes et la diaspora africaine au sens large. Ensemble, ces œuvres interrogent ce que signifie rester autochtone après un déplacement forcé, l’esclavage et la rupture avec les territoires ancestraux, mettant en avant le marché comme un espace où la mémoire, les savoirs liés à la terre et la continuité culturelle continuent d’être transmis par le travail et les échanges des femmes.
Peau du marché
Cette installation dans le couloir présente des photographies issues de la série de Paula Rivera intitulée La suma de todas las madres (La somme de toutes les mères, 2024–2025), comprenant notamment des portraits de femmes du marché, ainsi que de la série Xipe Totec (2025). Les femmes des marchés et leurs familles occupent le centre de ces œuvres, remplissant le cadre comme des intérieurs chargés, denses de mémoire, de travail et d’héritage. Rivera porte son attention sur le tablier : ce vêtement que les femmes des marchés salvadoriens décrivent sans cesse comme leur parure. À Kūskatan (El Salvador), après le génocide de 1932 et la répression violente de la visibilité autochtone, de nombreuses formes de vêtements autochtones ont disparu de la vie publique. Le savoir textile a évolué. La dentelle, les rubans, les tissus synthétiques plissés et les tabliers sont devenus partie intégrante d’un langage visuel transformé, véhiculé par les marchés, le travail domestique et les mouvements quotidiens. Le tablier est devenu à la fois protection, parure et continuité. Dans les portraits de Xipe Totec, Rivera réinvente la divinité nahua Xipe Totec, Notre Seigneur l’Écorché, à travers des corps recouverts de tabliers en dentelle portés par des femmes du marché, transformant ainsi les vêtements de travail en peau sacrée.
Después de Mí Nada Existirá
Articulée autour de l’œuvre Pezuña (Sabot, 2025) d’ARIA XYX, cette installation fait office d’autel funéraire dédié aux vies queer et trans d’Amérique centrale, marquées par la disparition, les insultes, l’exil et la mort sociale. Quatre sabots monumentaux en argile reposent sur de la pierre volcanique, sous des formes textiles cramoisies suspendues évoquant la chair violée, les corps absents et quatre travailleuses du sexe transgenres disparues pendant le conflit armé salvadorien. Une lumière bleue et blanche intermittente inonde l’espace des couleurs du drapeau salvadorien, transformant le symbolisme national en une atmosphère de surveillance et de deuil. Sur un mur, Pipián, Culero et Maricón, issus de la série El peso de tus palabras (Le poids de tes mots, 2019–en cours) d’ARIA XYX, dénoncent les insultes infligées aux enfants queers à travers Kūskatan (El Salvador). En face d’eux, six autres œuvres perforées étendent cette cartographie de l’homophobie et de la transphobie coloniales à l’ensemble de l’Amérique centrale.
Installée aux côtés du poème de Volcancitto (Juan José Guillén), Dice la Wanda (Dit la Wanda), la salle met également en avant le marché en tant qu’espace social contradictoire. Partout en Amérique centrale, les marchés sont depuis longtemps des lieux où les personnes queers, trans et non binaires ont travaillé, survécu, vendu des marchandises, tissé des liens de parenté, exercé le travail du sexe et occupé la vie publique, malgré une exposition constante au harcèlement, au ridicule, à la répression policière et à la violence. Reliée par une salle secondaire, l’installation vidéo de Josué Castro, La Otra Quema (L’autre Quema, 2025), prolonge ces réflexions à travers la tradition guatémaltèque de La Quema del Diablo. Castro se tourne vers la figure du diable comme un miroir tendu face aux masculinités contemporaines. Le feu, le spectacle et la destruction rituelle deviennent un moyen de s’interroger sur les types de violence qui sont continuellement projetés vers l’extérieur et sur ceux qui, en fin de compte, en sont consumés. Ensemble, ces œuvres situent la survie des personnes queers et trans d’Amérique centrale dans un paysage en constante évolution, façonné par la religion coloniale, le machismo, la violence d’État et la promesse non tenue que les choses pourraient un jour changer.
La Biennale d’art contemporain autochtone (BACA) tient à remercier le Conseil des arts du Canada, le gouvernement du Québec, le Conseil des arts et des lettres du Québec, le Secrétariat aux relations avec les Premières Nations et les Inuit, le Conseil des arts de Montréal, Tourisme Montréal, la Collection Desjardins et Creative New Zealand.
